Ils sont tous excellents à leur manière et méritent tous la première place. Chaque film vous touchera forcément par son intrigue inattendue et son charisme. Alors sans plus attendre, commençons notre liste. Il va du moins populaire au plus populaire selon le site elle.fr. Bonne lecture !
10. Django Unchained (2012)
Jusqu’à la sortie de ce western avec Jamie Foxx dans le rôle d’un ex-esclave armé et Christoph Waltz (merveilleusement rusé) dans celui de son escorte allemande chasseuse de primes, j’avais aimé, d’une manière ou d’une autre, tous les films que Tarantino avait réalisés. Ce que les nazis étaient dans Inglourious Basterds, les esclavagistes le sont ici : des gens qui sont un gaz à exterminer. Chaque balle génère un coussin péteur de sauce rouge.
La seule violence qui n’est pas un coup de pied est exercée sur les esclaves, qui sont fouettés, déchiquetés par des chiens et, dans un moment particulièrement horrible, poussés à s’entretuer pour le sport. Mais la rage impuissante que nous ressentons dans ces scènes est au service de l’objectif plus large de Tarantino : rendre la vengeance des racistes du film d’autant plus joyeuse. Le carnage est rarement aussi simple moralement. Et même si j’aime les films violents, ce n’est pas une bonne chose.
C’est le film de Tarantino qui a connu le plus grand succès financier, et beaucoup de gens aiment ses rituels de rétribution. Mais malgré tous ses plaisirs, je pense qu’il est trop facile, trop centré sur la zone de confort de Tarantino. Après les excitantes circonvolutions – narratives et morales – de Pulp Fiction, Jackie Brown, Reservoir Dogs, et même certaines parties de Kill Bill, Tarantino a cessé de se remettre en question – ou du moins de se remettre en question d’une manière qui compte pour sa croissance en tant qu’artiste. C’est avec Django Unchained qu’il est devenu son propre yes man, et à en juger par The Hateful Eight, il n’a pas encore remédié à ce problème.
9. The Hateful Eight (2015)
On a beaucoup parlé du plaisir que Tarantino prend à la violence extrême, mais la vérité désagréable exposée par The Hateful Eight est que son esprit et son savoir-faire – son âme artistique – sont inextricables de son sadisme. Il s’est donné beaucoup de mal pour que ce film ressemble à un western classique en 70 mm, avec une ouverture lyrique et tonitruante du grand Ennio Morricone et un entracte, mais son histoire n’a rien d’un western. Elle semble perverse, cinglée, nihiliste et empreinte de cruauté pour le plaisir de la cruauté. Je suppose qu’il existe des précédents parmi les westerns spaghettis des années 60 (comme Le Grand Silence), mais les Italiens sont stoïques dans leur violence, alors que Tarantino semble se branler sur son propre chaos.
Comme d’habitude, ses préliminaires sont brillants. Samuel Jackson joue le rôle du chasseur de primes Marquis Warren, qui est pris dans un blizzard en route vers Red Rock et qui mendie une place dans une diligence avec un autre chasseur, John Ruth (Kurt Russell), et sa prisonnière, Daisy (Jennifer Jason Leigh). Le film proprement dit commence lorsque les occupants de la diligence se réfugient dans un endroit appelé Minnie’s Haberdashery – sauf que Minnie et sa bande ne sont pas là, remplacés par, entre autres, Demián Bichir dans le rôle d’un Mexicain effroyablement furtif, Tim Roth dans celui d’un Anglais effroyablement furtif, et Michael Madsen dans celui d’un fils à maman effroyablement furtif. Alors que Tarantino prend la mesure de l’espace, les hommes prennent la mesure les uns des autres. Battement après battement, le réalisateur vous fait croire que la violence peut éclater à tout moment, et la non-action se prolonge jusqu’au bord de l’entracte.
Quand la violence arrive, elle est plus graphique et nauséabonde que ce à quoi même un spectateur endurci de Tarantino aurait pu s’attendre. Dans un flash-back prolongé, Tarantino se retrouve en territoire de snuff Rob Zombie, une description qu’il pourrait bien considérer comme un badge d’honneur (le salaud) mais que je considère comme emblématique de sa descente dans une sorte de territoire de choc qui déshonore ses premiers travaux. Prenons l’exemple de son dernier bain de sang en un seul épisode, Reservoir Dogs, qui est loin d’être une œuvre cinématographique aussi accomplie, mais qui regorge de courants psychologiques croisés et de questionnements émotionnels. Tarantino a laissé les questionnements émotionnels derrière lui. Il est dans l’éther de la vengeance grindhouse maintenant, défoncé par son propre carnage stupide et dégoûtant.
8. Death Proof (2007)
Ce thriller relativement court du double programme Grindhouse (qui a été étendu à l’infini pour devenir un long métrage) est peut-être la distillation la plus pure de l’ambivalence de Tarantino concernant la violence envers les femmes. C’est un humaniste prédateur. C’est un film profondément sombre, sadique et fétichiste – et qui n’a pas beaucoup de sens dans le contexte d’un hommage aux grindhouses.
Dans un bar bruyant d’Austin, deux geeks (l’un d’entre eux est le réalisateur Eli Roth) complotent pour faire boire et coucher avec des femmes sexy. Mais ils ne sont rien à côté du macho balafré (Kurt Russell) du bar qui se fait appeler Stuntman Mike, fait des imitations de John Wayne et conduit une Charger noire qu’il vante comme étant renforcée pour les collisions à grande vitesse et les renversements : à l’épreuve de la mort. La manie psychotique de Mike est de foncer dans des voitures remplies de femmes, de les tuer et de s’infliger une douleur extrême – mais pas la mort.
La violence est d’une laideur grotesque, notamment le meurtre dans la voiture de Mike d’une hippie blonde jouée par Rose McGowan. Et l’accident qui clôt la première partie du film – précédé par l’attardement du réalisateur, connu pour être un fétichiste des pieds, sur les pieds nus de la DJ Jungle Julia (Sydney Tamiia Poitier) d’Austin – est ralenti et rendu hideusement lyrique : membres coupés, visages fracassés. La deuxième série de femmes apparaît avant que nous ayons pleinement digéré le sort du premier groupe. Mais il s’agit de femmes d’un autre genre, fraîchement sorties d’un tournage de film, et dirigées par deux cascadeuses amoureuses de voitures (Zoe Bell et Tracie Thoms) qui s’extasient devant des speedsters vintage et des films comme Vanishing Point et Dirty Mary Crazy Larry. Il ne faut pas longtemps à Mike pour se rendre compte qu’il s’est frotté aux mauvaises filles – et il devient lui-même un « girly-man » boursouflé.
Death Proof est donc un film d’émancipation féminine – en théorie – mais il est tiré de la psyché d’un fou de cinéma qui aime les femmes à l’écran presque autant qu’il aime punir les femmes à l’écran.
7. Inglourious Basterds (2009)
Un gâchis épique, mais rempli d’éléments de décor étonnants et dominé par le méchant le plus charismatique de Tarantino, Christoph Waltz dans le rôle du colonel nazi Hans Landa.
J’ai eu le rare privilège d’entendre Charlie Rose lire le premier paragraphe de ma critique d’Inglourious Basterds à Tarantino dans son émission (après que Rose ait d’abord lu une dénonciation de David Denby pour l’amoralité apparente des personnages de Tarantino).
Rose : « La vision commune de Quentin Tarantino comme un malade du gore … néglige son véritable don, qui est celui des dialogues longs, tendus et sinueux avant que le carnage n’éclate. En regardant son thriller d’action sur la Seconde Guerre mondiale, Inglourious Basterds, on pourrait souhaiter que le sang ne coule jamais : Les gains sont courants, mais les préliminaires sont meurtriers. Plus encore que ses autres mélanges de genres, il s’agit d’un voyage en dents de scie dans le paysage intérieur tordu de Tarantino, où le cinéma et l’histoire, la misogynie et le féminisme, le sadisme et le romantisme se heurtent, se divisent et se recomposent en de nouveaux hybrides bizarres. Le film est un pastiche disgracieux, et pourtant, à un certain niveau jungien détraqué, il est tout à fait cohérent ».
Ce que je voulais dire par ce premier paragraphe, c’est que la façon dont Tarantino se laisse libre d’agir à l’écran est ce qui sauve ce film de toutes sortes de scènes trop faciles, parmi lesquelles celles où l’escouade de guérilla « basterd » du lieutenant Aldo Raine (Brad Pitt) frappe allègrement la tête des nazis capturés.
D’une certaine manière, le film n’a jamais dépassé son ouverture, dans laquelle un fermier français regarde une jeep remplie de nazis emprunter la route menant à sa maison, des gros plans de son visage anxieux alternant avec des plans longs du véhicule s’approchant de plus en plus, ses yeux rencontrant ceux de ses trois filles terrifiées – la séquence se comparant favorablement à la fois à Leone et à Hitchcock. Vient ensuite un interrogatoire d’une politesse déconcertante, mené autour d’une table de cuisine par le chasseur de Juifs nazi Landa, qui lui soutire lentement des informations sur la localisation d’une famille juive que le fermier a courageusement cachée, chaque coup de théâtre constituant un nouveau tour de vis.
L’autre scène étonnante est presque périphérique : Une rencontre furtive entre une espionne (Diane Kruger) et un agent britannique (Michael Fassbender) dans la cave d’un pub rempli de nazis, qui se construit, se construit et se construit, jusqu’à ce que votre tête soit sur le point d’exploser. Mais c’est le climax qui est le plus excentrique. Dans un cinéma qui accueille la première d’une saga d’un véritable héros nazi produite par Goebbels, Tarantino montre un mythe nazi explosé par un contre-mythe juif subversif, contenu dans un mythe de vengeance Tarantino qui réécrit l’histoire d’une manière qui vous laisse pantois. Inglourious Basterds est un film de vengeance dans lequel le film lui-même est la meilleure des vengeances.
6. Reservoir Dogs (1992)
Tarantino en savait assez pour garder son premier long métrage – l’histoire d’un vol de bijoux qui a mal tourné – relativement modeste. Il s’agit essentiellement d’un drame de chambre avec un petit casting exclusivement masculin qui se déroule (en grande partie) dans un seul endroit. Mais la façon dont les hommes en costume noir et cravate noire s’emparent de l’espace dès la première scène – puis, dans un restaurant, discutent pendant de longues minutes de l’éthique du pourboire – montre que Tarantino s’annonce comme un réalisateur de pulps d’un genre différent. Le passage de la douceur de vivre et de l’humour au pandémonium qui suit le vol reste choquant, avec le Mr Orange de Tim Roth, touché aux entrailles, qui saigne abondamment, comme il continuera à le faire (et à hurler et à supplier) pendant l’heure et demie restante. Ce n’est pas une blessure propre.
Il y a un quasi-héros, M. White (Harvey Keitel), et un psychopathe évident, M. Blonde (Michael Madsen), mais moralement parlant, tout est relatif. Il n’y a pas de centre de gravité. Et il n’y a pas moyen de terminer un film aussi angoissant – l’intrigue est centrée sur la tentative des membres survivants du gang de découvrir lequel d’entre eux est un rat (ou un flic infiltré) – sans construire un climax qui ressemble à un opéra du Grand Guignol.
Mais la plupart des gens connaissent Reservoir Dogs pour sa pièce maîtresse, une longue scène de torture dans laquelle M. Blonde nargue, bat et mutile hideusement un jeune policier, dont les appels à la vie sont tournés en dérision. Cette scène a donné naissance à l’idée que Tarantino est un sadique – et ce n’est pas une idée que je suis à l’aise de réfuter complètement. Je pense qu’il est sadique, du moins lorsqu’il s’agit de violence à l’écran. Mais je pense aussi qu’il est profondément en conflit avec lui-même, et qu’il est suffisamment artiste pour exprimer sa délectation et son dégoût à l’écran sans chercher à les réconcilier (du moins ici). Ce qui est troublant, c’est qu’il est devenu moins ambivalent vis-à-vis de la violence en vieillissant. Elle est maintenant plus juste, plus éjaculatoire, plus amusante.
5. Kill Bill : Vol. 1 (2003)
Il s’agit du volume japonais (avec Sonny Chiba et quelques anime inspirés) dans lequel la mariée – un ancien assassin – sort d’un coma de quatre ans et commence à se frayer un chemin jusqu’à Bill. En fait, le film commence au milieu, avec son deuxième meurtre important. Par inadvertance, elle tue Vernita Green (Vivica A. Fox) devant la très jeune fille de cette dernière, et le moment est suspendu, laid et irrésolu. La mariée dit à la petite fille que si elle se sent toujours « à vif » dans quelques années, elle pourra venir la chercher. Peu de temps après, un flash-back dans le style de Ghost in the Shell nous apprend que l’une des adversaires de la mariée, la chef yakuza O-Ren (Lucy Liu), est devenue un assassin après avoir vengé ses parents assassinés. Kill Bill est donc une sorte de galerie des glaces de la tragédie du vengeur : L’héroïne d’une saga de justiciers devient la méchante de la suivante.
Ce qui éloigne le film de ses modèles, c’est la gaieté de fanboy que Tarantino apporte à la fête. Il n’a jamais fait d’action pure auparavant : Cette fois, il se jette à corps perdu dans le carnage. On peut presque l’entendre glousser : « C’est trop cool. » J’ai ressenti ce que je ressens parfois devant un spectacle de danse de Mark Morris, qui transforme des mouvements familiers, propres au showbiz, en quelque chose de nouveau, de drôle et d’étonnamment lyrique. Kill Bill devient littéralement un film de danse au cours de la bataille finale, comme Un Américain à Paris avec un spray artériel.
4. Kill Bill : Vol. 2 (2004)
Pourquoi ai-je placé ce film avant le Vol. 1 au lieu de les classer ensemble ? Par perversité, peut-être. Mais aussi pour souligner l’idée qu’il s’agit de films vraiment différents. L’ensemble de Kill Bill est un pastiche, une farandole, une saga de vengeance qui se déroule dans de nombreux styles et rythmes distincts de films d’exploitation. Le volume 2 est un western lent et délibéré, agrémenté d’une touche volontairement incongrue de Shaw Brothers de Hong Kong des années 70, délavée et pleine de zooms. Il s’ouvre dans un désert avec le mariage de Beatrix, alias Black Mamba, alias la Mariée (Uma Thurman), qui se termine en carnage. Il se poursuit dans le désert avec la longue séquence où Beatrix est abattue par Budd (Michael Madsen) dans sa caravane, puis enterrée vivante. Un interlude élaboré couvre l’entraînement de Beatrix, d’abord par Bill (David Carradine), puis par le maître de kung-fu Pai Mei (Gordon Liu), d’un sadisme maladif, avec des sourcils flottants et une longue barbe blanche qu’il fait passer sur son épaule comme un foulard. Le Budd de Madsen, un ivrogne qui semble être devenu passif et fataliste et avoir perdu le goût de tuer, a quelques moments surprenants, et l’hellion borgne de Daryl Hannah a une punition digne d’elle. Mais ce n’est pas la violence qui prime ici.
Après avoir tué des dizaines de personnes dans le premier volume, la mariée ne tue qu’une seule personne ici, bien qu’il y ait une mutilation juteuse qui compense le manque relatif de sang du film – et même plus. Cette personne est, bien sûr, Bill, et la longue pièce en un acte – un psychodrame, un drame familial, un débat philosophique – qui mène à l’apogée rapide et non sanglante est la preuve que Tarantino tord, voire se tord dans la structure de la saga de la vengeance, comme Shakespeare l’a fait dans Hamlet. (Le premier commentateur à dire « Vous comparez Tarantino à Shakespeare ? ?? » aura la tête tranchée avec une épée Hattori Hanzo). La fin doit être à la hauteur du titre, mais le coup fatal (qui brise le cœur de Bill mais le laisse vivre un peu, un mort-vivant, pour un dernier lien) est tout sauf triomphant.
Cela dit, y a-t-il quelque chose dans Kill Bill qui nous pousse à remettre en question l’addiction de notre culture aux fantasmes violents de châtiment ? Un peu, peut-être. Mais pas assez pour empêcher Tarantino de faire de ses deux derniers films des thrillers de vengeance purs et durs.
3. Il était une fois à Hollywood (2019)
Un retour jubilatoire, nostalgique et tout à fait exaltant pour Tarantino – un pastiche qui transcende le pastiche. C’est une fantaisie de la fin des années 60, lorsque les cow-boys de la télévision d’âge moyen partaient en Italie pour réaliser des westerns spaghettis tandis que les hippies envahissaient Hollywood – certains d’entre eux se révélant être des membres de la meurtrière Manson Family. Leonardo DiCaprio est la star de western sur le déclin, Brad Pitt est son cascadeur, son chauffeur, son assistant et son entourage. Leur relation est amoureuse mais compliquée par la dépression, l’alcoolisme et la chute de l’étoile de DiCaprio. L’ambiance est encore plus sinistre lorsqu’on découvre que ses voisins de palier dans les collines d’Hollywood sont Roman Polanski et sa femme, l’ingénue Sharon Tate (Margot Robbie), qui est destinée à être massacrée avec quelques amis peu après minuit le 9 août 1969.
Tarantino n’est évidemment pas le seul réalisateur à faire des films qui s’adressent à d’autres films, les invoquent, les vantent, les parodient et les fétichisent, mais il est l’un des rares dont les dialogues avec le passé peuvent exister sur le même plan que ses objets de vénération, et il transforme Once Upon a Time in Hollywood en une mer de sons et de bric-à-brac des années 60 – mettant en valeur, par exemple, la séquence titre de Mannix comme Warhol mettait en valeur les boîtes de soupe, mais en mieux. Au début, le film se présente comme une série de digressions agréables – sur un plateau de télévision de western, le ranch où réside le clan Manson, un théâtre dans lequel la radieuse Tate assiste à sa performance face à Dean Martin dans un film de Matt Helm – jusqu’à ce que Tarantino arrive au 8 août, que le soleil se couche et que le film se concentre.
Vous pouvez vous attendre à une bonne dose de sadisme, à une pointe de misogynie (des filles « hippies » qui incarnent le démonisme contre des hommes virils avec des armes prêtes à l’emploi), et à suffisamment de pieds féminins nus pour le fétichiste des pieds le plus exigeant. Ce à quoi vous ne vous attendrez pas, c’est à être laissé dans un état de joie et de mélancolie, reconnaissant pour les mensonges d’un artiste et triste de ce qui aurait pu être mais n’a pas été.
2. Jackie Brown (1997)
Il s’agit de mon film préféré de Tarantino, même si je ne l’ai pas suffisamment apprécié lors du premier visionnage. Adapté d’un roman d’Elmore Leonard, il semble distendu par tout ce qui est dit, dit, dit – jusqu’à ce que vous entriez dans son rythme et réalisiez que les distensions sont le but. C’est le stoner movie de Tarantino, celui qui vous fait rire de la longueur et de la complexité de l’ensemble – jusqu’à ce que la violence arrive et que le voyage tourne mal.
Cette violence : Elle est presque entièrement hors-champ et presque exempte de sang. La ruse élaborée de l’Ordell de Samuel L. Jackson (convaincu qu’il va être dénoncé suite à l’arrestation de son coursier, Jackie Brown) pour faire monter dans le coffre de sa voiture un bougre (Chris Tucker) qu’il vient de faire sortir de prison afin de pouvoir l’exécuter semble ridicule … sauf que Tarantino aime, aime, aime quand un personnage commence à parler et continue à parler, savourant les mots, étirant le temps. On a envie de rire quand Ordell finit par tourner en rond, ouvrir le coffre et tirer sur l’homme… sauf que l’image est lointaine et étrange. Le fait de ne pas voir l’homme mort rend sa mort plus obsédante. Le meurtre soudain et absurde de la petite amie d’Ordell, Melanie (Bridget Fonda), par un associé incompétent (Robert De Niro) est choquant par sa rapidité – et d’une certaine manière encore plus horrible du fait qu’elle tombe hors champ et que nous ne voyons jamais son corps. Pourrait-elle vraiment être morte ?
Le récit de Jackie Brown est loin d’être aussi tortueux, mais une scène clé – dans un centre commercial, avant que Melanie ne soit abattue – est rejouée sous différents angles, probablement pour souligner l’idée (que l’on comprend vraiment quand on est défoncé) que la réalité est une collection de perspectives différentes qui se rencontrent rarement. Lorsqu’il y a un accord – comme entre Jackie et Max Cherry, l’agent de cautionnement – c’est une chose bénie, d’autant plus que Tarantino prend un plaisir évident à ressusciter les carrières de deux stars de films de série B des années 70, Pam Grier et Robert Forster. Il place Grier sur un piédestal (émouvant, dans son premier plan) et fait ressortir l’âme douce et généreuse de Forster.
Je n’aimerais pas avoir à choisir entre deux films aussi superbes que Out of Sight (réalisé par Steven Soderbergh, d’après un excellent scénario de Scott Frank) et Jackie Brown, mais, battement par battement, Tarantino saisit l’attrait de l’œuvre parfois traînante – mais magiquement traînante – d’Elmore Leonard.
1. Pulp Fiction (1994)
Ce film doit être considéré comme le plus important, même si Jackie Brown est, dans l’ensemble, l’œuvre la plus magistrale. Pulp Fiction a changé l’idée que l’on se faisait du cinéma indépendant américain, à savoir qu’il pouvait ne pas ressembler à Hollywood et avoir une tête de mule, mais aussi être sexy, fétichiste et éclaboussant. Son étrangeté a posé tant de défis. Pourquoi cela sonnait-il comme ça ? Pourquoi avait-il cette forme ? Pourquoi un objet composé de tant d’éléments dissemblables fonctionnait-il de manière si harmonieuse et avait-il un tel impact émotionnel ?
Les tueurs à gages Vincent Vega (John Travolta) et Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) débarquent de la Nouvelle Vague française (qui a débarqué des films de gangsters et des films noirs américains), parlant de Quarter-Pounders avant d’endosser leurs rôles de meurtriers froids. Le discours doit plus, je pense, aux romans exubérants de George V. Higgins qu’on ne le reconnaît généralement, mais Tarantino rend les disjonctions plus frappantes.
Jules Winnfield et Vincent Vega sont des gangsters typiques, qui, en plus de tuer, pratiquent le racket de protection et l’extorsion, et dépensent les recettes en alcool et en jeux d’argent. Si vous aimez jouer au casino et vous sentir comme une star dans un film, nous vous recommandons nouveaux casino en ligne francais. Vous n’y trouverez que des casinos de confiance avec des jeux pour tous les goûts.
La structure mystérieuse du film – trois histoires, la dernière placée chronologiquement au milieu de façon à ce qu’un personnage bien-aimé que nous voyons mourir violemment soit ramené à la vie – est conçue pour renforcer un message inhabituel, quasi-religieux. Jules lit les feuilles de thé – c’est-à-dire les trous des balles qui auraient dû les atteindre, lui et Vincent – et renonce à sa vie en tant qu’exécuteur de punitions (pour le compte d’un gangster qu’il ne respecte plus moralement). Vincent, quant à lui, fait fi de tout grand dessein et se retrouve dans la salle de bains (à trois reprises – la dernière fois avec des conséquences fatales) au moment où les choses essentielles se passent.
C’est dans ce film que l’on voit vraiment à quel point Tarantino aime les acteurs et a le génie de les ressusciter – dans le cas de Travolta, tant à l’écran (Vincent revient post-mortem) que dans leur carrière. Une scène de danse face à une ravissante Uma Thurman (pieds nus pour sa première apparition) fait ressortir toute sa gentillesse d’abruti et ses mouvements.
Et puis il y a cette distillation de Délivrance, cher à Tarantino, transposée de l’Amérique des bois à une armurerie de Los Angeles qui est une chambre des horreurs du Grand Guignol – une scène qui nous a donné la réplique immortelle et sadique sur le fait de devenir « médiéval sur le cul ». L’incomparable franchise de Christopher Walken qui raconte l’histoire d’une montre conservée dans deux trous de cul (l’un appartenant au père qui est mort de dysenterie) : Il y a un paradis, et c’est celui-ci.
Je trouve que la scène finale du restaurant dure trop longtemps et – malgré l’affrontement avec le Mexique – n’est pas aussi inventive visuellement que ce qui la précède. Mais elle clôt le film de façon remarquable. Hélas, il n’y a rien d’aussi formellement audacieux que Pulp Fiction dans le reste de l’œuvre de Tarantino.
